Le opere d’arte contemporanea più enigmatiche: 10 lavori che sfidano la nostra idea di arte

Cosa rende un'opera contemporanea “enigmatica”? La storia dell’arte è piena di misteri ed enigmi irrisolti, basti pensare ai codici nascosti che attraversano tutta l’arte rinascimentale. L’enigma nell’arte contemporanea è spesso “strutturale”: l'artista non nasconde un significato univoco, ma costruisce un dispositivo che obbliga chi guarda a diventare parte attiva dell'opera stessa per completarla con la propria interpretazione. Abbiamo tracciato una lista, sicuramente non esaustiva, di alcune tra le opere d’arte contemporanea più enigmatiche e indecifrabili.

The Lightning Field – Walter De Maria (1977)

In una landa desolata nel deserto del Nuovo Messico, a oltre 2.000 metri di altitudine, sono piantati 400 pali di acciaio inossidabile disposti a griglia regolare, progettati per attirare i fulmini durante i temporali. Con The Lightning Field, l’artista statunitense Walter De Maria (1935 - 2013) ha creato un’opera di Land Art accessibile solo a pochissimi visitatori alla volta, dove l'evento culmine, il fulmine, è del tutto imprevedibile e molto raro. Il mistero risiede proprio nel corto circuito tra l'aspettativa dell'evento e la sua rara manifestazione: l'opera non è lo spettacolo atmosferico in sé, ma l'attesa, la tensione costante e la sensazione che la natura possa attivare l'installazione in qualsiasi momento.

I Like America and America Likes Me, 1974 – Joseph Beuys

L'artista tedesco Joseph Beuys (1921 - 1986) rimase chiuso per tre giorni all'interno della René Block Gallery di New York insieme a un coyote selvaggio. L'aspetto più coinvolgente e misterioso dell'opera I Like America and America Likes Me risiede negli eventi che diedero vita a questo incontro tra uomo e natura. Beuys atterrò al John F. Kennedy International Airport di New York, si avvolse completamente in una coperta di feltro e si fece trasportare in ambulanza fino alla galleria d'arte. Lì rimase chiuso per tre giorni insieme al coyote. Al termine della performance, fu riaccompagnato in ambulanza all'aeroporto e ripartì per l'Europa senza aver mai messo piede sul suolo americano né visto la città. Tanti gli elementi ermetici: il coyote come spirito guida nativo americano, il feltro come protezione e cura dal trauma, e la riconciliazione impossibile tra la cultura occidentale e le ferite storiche americane.

"Untitled" (Portrait of Ross in L.A.), 1991 – Felix Gonzalez-Torres

Un mucchio di caramelle incartate multicolori posizionato in un angolo della stanza, dal peso ideale di 79 kg. Ogni volta che quest'opera viene allestita in un museo, il peso iniziale è sempre lo stesso, 79 kg: il peso del compagno dell’artista Felix Gonzalez-Torres (1957 - 1996) prima di ammalarsi di AIDS. I visitatori sono invitati a prendere una caramella e mangiarla. Dietro l'apparente semplicità di questa installazione si nasconde una struggente e complessa metafora sulla deperibilità del corpo, sulla comunione e sulla memoria visiva e sensoriale. L'opera è un ritratto metaforico e commovente di Ross Laycock. Quando l’accumulo di caramelle diminuisce, il peso viene costantemente reintegrato, regalando all'amato una forma di immortalità.

America, 2016 – Maurizio Cattelan

Con quest’opera, l’artista italiano tra i più beffardi in circolazione ha fatto discutere per anni. Molte opere di Maurizio Cattelan (1960) giocano con l'ambiguità e l'ironia (La Nona Ora, Comedian o L.O.V.E.), ma è con America (2016) che ha travalicato il confine tra storia dell'arte e cronaca. L’opera, considerata tra le sue più misteriose ed enigmatiche, è nota al grande pubblico come la toilette d'oro a 18 carati perfettamente funzionante. Nel settembre 2019, mentre era installata a Blenheim Palace (la dimora natale di Winston Churchill nell'Oxfordshire), è stata sradicata e rubata. Nonostante i diversi arresti e i processi avviati dalla magistratura britannica, la scultura non è mai stata ritrovata. Due le ipotesi più accreditate: l'opera è stata fusa e venduta a lingotti nel mercato nero, oppure è conservata integra nel caveau di un collezionista privato, trasformandosi nel trofeo definitivo del collezionismo clandestino.

Love is in the Bin / Girl with Balloon, 2018 – Banksy

Pochi istanti dopo essere stata battuta all'asta da Sotheby's per oltre un milione di sterline, l'opera Girl with Balloon si è autodistrutta parzialmente passando attraverso un distruggidocumenti nascosto nella cornice dall'artista anonimo, venendo poi rinominata Love is in the Bin. Oltre alla misteriosa identità di Banksy, l'opera solleva interrogativi sul senso della proprietà nell'arte, sulla complicità tra mercato e provocazione e sul fatto se il gesto distruttivo abbia in realtà raddoppiato il valore del pezzo stesso.

For the Love of God, 2007 – Damien Hirst

Oltre a essere una delle più enigmatiche sculture contemporanee, è anche tra le più costose mai realizzate. For the Love of God di Damien Hirst consiste in un calco in platino ricavato dal teschio reale di un uomo europeo vissuto nel XVIII secolo. Sulla superficie sono incastonati 8.601 diamanti per un totale di 1.106 carati. Sulla fronte spicca un raro diamante rosa a goccia da 52,4 carati. Gli unici elementi originali conservati sono i denti umani inseriti nel calco. Un'operazione di memento mori o una mera esibizione di ricchezza? L'artista riflette sull'ossessione umana per la morte e la vanità, affrontandole con l'unico mezzo che la società contemporanea riconosce: il lusso sfrenato e indistruttibile. L'enigma risiede nel confine tra arte, finanza e feticismo dei materiali.

4′33″ (1952) – John Cage

Nel completo silenzio, 4 minuti e 33 secondi sembrano lunghissimi. In cosa consiste 4′33″ del compositore e teorico musicale statunitense John Cage (1912 - 1992)? È un brano musicale per qualsiasi strumento (o insieme di strumenti) in cui l'esecutore sale sul palco, apre il pianoforte o impugna lo strumento, e per 4 minuti e 33 secondi non suona alcuna nota, rimanendo in silenzio. Il mistero di questa (non) composizione? Perché definire "musica" l'assenza di note dell'esecutore? Cage dimostra che il silenzio assoluto non esiste. La vera "musica" dell'opera è costituita dai rumori ambientali involontari del pubblico: i colpi di tosse, il brusio, i respiri, lo scricchiolio delle sedie, il traffico all'esterno.

Seconda soluzione d’immortalità (L'universo è immobile), 1972 – Gino De Dominicis

Esposta alla Biennale di Venezia del 1972, Seconda soluzione d'immortalità (L'universo è immobile) dell’artista tra i più chimerici e misteriosi di sempre, Gino De Dominicis (1947 - 1998), presentava un giovane affetto da sindrome di Down seduto su una sedia di fronte a tre oggetti dell'artista e con un cartello recante il titolo dell'opera, suscitando enormi polemiche. L'enigmaticità dell'opera risiede in una fusione di paradossi concettuali, scelte espositive provocatorie e nella ricerca ossessiva dell'artista sul tema del tempo e della morte. Il titolo sottintende la tesi di De Dominicis: la morte e il procedere del tempo sono un'illusione e, per raggiungere l'immortalità, occorre fermare il tempo e la percezione.

Untilled, 2012 – Pierre Huyghe

Presentata a documenta (13) a Kassel, è considerata una delle opere “ecosistemiche” più celebri e misteriose dell’artista francese Pierre Huyghe. Frutto di un insieme di relazioni, processi e scambi che avvengono tra gli organismi viventi e il luogo, Untilled è una complessa installazione ambientata in un'area dismessa del parco Karlsaue. Huyghe colloca una scultura di gesso raffigurante un nudo femminile sdraiato (Liegender Frauenakt), la cui testa è sostituita da un alveare vivo e reale. Attorno alla scultura convivono piante psicoattive, un cane dalmata con una zampa dipinta di rosa e vari elementi lasciati all'evoluzione naturale. L'opera sfugge al controllo dell'artista stesso. Non c'è una narrazione precostituita né una fine: vive di dinamiche biologiche invisibili a chi guarda (il lavoro delle api, la crescita della flora, l'istinto animale), ponendo l'umano in una posizione di mero osservatore esterno.

Merda d'artista, 1961 – Piero Manzoni

90 scatolette di metallo sigillate, ciascuna contenente (secondo l'etichetta) 30 grammi di "merda d'artista conservata al naturale", vendute all'epoca al prezzo equivalente del loro peso in oro. Era il 1961 e Piero Manzoni (1933 - 1963), uno dei più radicali rivoluzionari dell'arte contemporanea, con quest’opera ha ribaltato il sistema dell’arte: ha messo in discussione il concetto stesso di opera d'arte, il ruolo dell'artista e le dinamiche del mercato. Ma la domanda che si sono posti in tanti è: cosa c'è davvero dentro quelle scatole? Nessuno ha mai aperto ufficialmente le scatolette conservate nei musei per verificare se contengano davvero feci o semplice gesso, poiché aprirle distruggerebbe il valore e la natura dell'opera. Manzoni con la Merda d'artista ha espresso una chiara critica al consumismo dell'arte e alla cieca fiducia nel nome dell'autore: qualsiasi cosa prodotta o firmata dal "genio" diventa automaticamente reliquia e merce di valore.