Francesco Carrozzini: «Oggi ho più paura di ripetermi»

Francesco Carrozzini ha costruito la sua carriera inseguendo ciò che si nasconde dietro un’immagine. Prima attraverso la fotografia, osservando da vicino alcuni dei volti più riconoscibili del nostro tempo; poi attraverso il cinema, entrando nelle storie, nelle fragilità e nelle contraddizioni di persone che il pubblico credeva già di conoscere. In mezzo, New York, la moda e l'eredità di sua madre Franca Sozzani - tre presenze che non ha mai smesso di raccontare, ognuna a modo suo.

Oggi, però, il suo lavoro si confronta anche con una trasformazione che riguarda il linguaggio stesso delle immagini: l’intelligenza artificiale. A Venezia presenta Be Brave, il film dedicato a Renzo Rosso, dove l’AI diventa parte integrante del processo creativo. Ma il punto di partenza è altrove: nella curiosità per le persone, nella libertà di cambiare strada e nella necessità di non smettere mai di guardare.

Francesco Carrozzini

Hai passato una vita a guardare gli altri. Quando hai iniziato a capire che, attraverso le immagini, stavi cercando anche qualcosa di te stesso?

«Credo piuttosto tardi. Quando ho iniziato a fotografare pensavo di essere semplicemente curioso delle altre persone. Mi piaceva osservarle, cercare di capire cosa nascondessero o cosa ci fosse sotto la versione di loro stessi che presentavano al mondo. Solo più tardi ho capito che le persone che scegli di fotografare - e soprattutto ciò che cerchi in loro - dicono moltissimo di te. In un certo senso, ogni ritratto è un autoritratto. Cerchi sempre qualcosa che riconosci, qualcosa di cui hai paura o qualcosa che vorresti avere. E il cinema me lo ha reso ancora più evidente. Non credo di aver mai fatto qualcosa che non riguardasse, almeno in parte, una domanda che stavo ponendo a me stesso».

Poi sei partito per New York. Quanto è stato importante, per te, diventare per un po' una persona che nessuno conosceva?

«È stato incredibilmente importante. C'è qualcosa di molto liberatorio nell'arrivare in una città dove nessuno ti conosce e, francamente, a nessuno importa chi sei. New York ti dà quella libertà. Puoi decidere chi vuoi diventare, ma devi anche dimostrarlo ogni giorno. Ero molto giovane, il mio inglese non era perfetto e partivo da zero. Mi piaceva. L'anonimato ti dà anche il permesso di fallire. Puoi provare cose, fare errori, cambiare direzione senza avere la sensazione che tutti ti stiano guardando. Quel periodo è stato fondamentale perché mi ha insegnato a essere indipendente, ma anche a sentirmi a mio agio nell'incertezza».

Hai vissuto tra New York e Los Angeles e hai costruito gran parte della tua carriera fuori dall'Italia. Cosa hai imparato dall'America che ti porti ancora dietro?

«Che l'ambizione non deve essere qualcosa di cui chiedere scusa. L'Italia mi ha dato il gusto, la cultura, una certa sensibilità per la bellezza e per la contraddizione. L'America mi ha dato il permesso di provare. C'è qualcosa di molto potente nell'idea americana che tu possa dire: voglio fare questa cosa, anche prima di aver dimostrato completamente di esserne capace».

Hai fotografato alcune delle persone più riconoscibili del mondo: da Robert De Niro a Lady Gaga, da Keith Richards a Beyoncé. Che cosa cerchi quando hai davanti un volto che è già stato fotografato mille volte?

«Il momento in cui smettono di essere la persona che è stata fotografata mille volte. Con le persone molto famose non stai davvero combattendo contro la persona: stai combattendo contro l'iconografia che la circonda. Conoscono il proprio volto, conoscono i propri angoli, sanno cosa gli altri si aspettano da loro. E spesso lo sa anche il fotografo. A me interessa quel piccolo momento in cui tutto questo meccanismo scompare. Può essere la noia, il disagio, una risata, il silenzio: qualsiasi cosa crei una piccola crepa nella performance».

La moda è ancora dentro il tuo sguardo, anche quando fai cinema?

«Completamente. Sono cresciuto dentro la moda. Non posso fingere che non abbia educato il mio occhio. Ma la moda, per me, non è mai stata veramente una questione di vestiti. È sempre stata una questione di costruzione dell'immagine. Sono ossessionato dai volti, dai vestiti, dai gesti, dall'architettura, dal modo in cui qualcuno occupa una stanza. Tutto questo viene in parte dalla moda e dalla mia carriera di fotografo. La differenza è che il cinema mi ha insegnato che a volte l'immagine più bella è quella sbagliata. La storia deve vincere».

Qual è la cosa più importante che hai ereditato da tua madre e che oggi riconosci nel tuo modo di lavorare?

«La curiosità e l'empatia. Mia madre era infinitamente curiosa delle persone, soprattutto di quelle molto diverse da lei. Voleva capire cosa pensassero, come vivessero, di cosa avessero paura. E quella curiosità era sempre legata all'empatia. Aveva una capacità straordinaria di mettersi nei panni di qualcun altro senza giudicarlo. Credo che queste siano probabilmente le due qualità che riconosco maggiormente in me stesso e nel mio lavoro. Che stia fotografando qualcuno, realizzando un documentario o dirigendo un attore, cerco sempre di capire la persona che ho davanti. La curiosità ti fa guardare, ma l'empatia ti permette davvero di vedere».

Fotografia, cinema, televisione, moda, documentario. Perché continui a cambiare linguaggio?

«Perché mi annoio molto facilmente. Ma anche perché non vivo queste esperienze come carriere diverse. Sono strumenti diversi per la stessa curiosità. La fotografia mi ha insegnato a osservare. Il documentario mi ha insegnato ad ascoltare. La fiction mi ha insegnato a costruire. La moda mi ha insegnato il potere di un'immagine. Mi spaventerebbe molto di più l'idea di diventare estremamente bravo a ripetere una cosa che quella di sentirmi leggermente a disagio ogni volta che comincio qualcosa di nuovo».

Cosa ti annoia oggi nel mondo della creatività?

«Il consenso. La quantità enorme di lavoro che viene prodotto per soddisfare un algoritmo, un mercato, un pubblico, un focus group - o semplicemente tutti quelli che si trovano nella stanza. Viviamo in un momento di possibilità tecniche incredibili e, stranamente, di grande uniformità estetica. Tutti hanno riferimenti. Tutti hanno moodboard. Tutti sanno cosa viene considerato bello. Io sono interessato alle persone che fanno qualcosa di leggermente sbagliato. Qualcosa che inizialmente ti mette a disagio perché non sai immediatamente dove collocarlo».

Oggi hai più paura di fallire o di ripeterti?

«Di ripetermi. Di gran lunga. Il fallimento fa male, ma è utile. Ho fallito anch'io. Sopravvivi e, di solito, dopo capisci qualcosa che prima non avresti potuto capire. Ripetersi è più pericoloso perché può sembrare un successo. Le persone si congratulano con te perché fai di nuovo la cosa che era già piaciuta loro. Il momento in cui so esattamente come fare qualcosa è solitamente il momento in cui comincio a chiedermi se dovrei ancora farlo».

Hai fotografato il successo, la fama, la bellezza. Che cosa hai scoperto che c'è davvero dall'altra parte di tutto questo?

«Quando sei giovane immagini che le persone di successo abbiano attraversato una linea invisibile e siano arrivate da qualche parte. Poi ne incontri abbastanza e capisci che non esiste nessun arrivo. E' stata una scoperta molto liberatoria. Alla fine capisci che il successo non può essere la destinazione. La domanda interessante è se la vita che stai costruendo intorno a quel successo abbia un significato per te».

Raccontare Renzo Rosso significava inevitabilmente raccontare anche Diesel. Come hai evitato di fare un film celebrativo sulla moda?

«Decidendo molto presto che non stavo facendo un film su Diesel. Stavo facendo un film su Renzo. Diesel è la conseguenza del carattere, non il carattere stesso».

Quindi cosa ti interessava davvero raccontare di Renzo?

«La psicologia di una persona che viene da un luogo molto specifico, costruisce intorno a un istinto un universo enorme, rischia quasi di perdere il controllo di quell'universo e poi deve trovare un modo per lasciarlo andare affinché possa vivere di nuovo. Una volta che lo affronti in questo modo, i successi diventano interessanti, ma anche i fallimenti. Probabilmente ancora di più».

Be Brave introduce l'intelligenza artificiale in maniera radicale nel filmmaking. Quando hai capito che l'AI non sarebbe stata semplicemente uno strumento, ma parte del linguaggio del film?

«Credo quasi dall'inizio. L'idea non è mai stata realizzare un documentario convenzionale su Renzo e poi usare l'AI per abbellirlo. Volevamo che la forma stessa del film incarnasse il suo spirito: irriverente, provocatorio, coraggioso, a volte un po' folle. Renzo ha passato la vita a spingersi contro ciò che è convenzionale, quindi sentivamo di dover fare la stessa cosa. E l'AI è probabilmente la più grande frontiera creativa del nostro tempo. Sta cambiando non soltanto il modo in cui realizziamo le immagini, ma anche il nostro rapporto con la creatività, con il lavoro e con la realtà. In un film su qualcuno la cui filosofia consiste nell'affrontare il futuro senza paura, è sembrato quasi inevitabile. E' stato il momento in cui l'AI ha smesso di essere uno strumento ed è diventata parte del linguaggio del film».

Il rischio è che l'AI renda tutto più facile. Invece avete lavorato per oltre un anno e mezzo. È questa la contraddizione?

«Sì, assolutamente. È probabilmente la grande contraddizione dell'AI. Tutti pensano che renda le cose più veloci e facili. La nostra esperienza è stata quasi l'opposto. Certo, l'AI può generare un'immagine in pochi secondi. Ma creare un'immagine non significa fare un film. Un film ha bisogno di intenzione, continuità, interpretazione, ritmo, gusto. E soprattutto ha bisogno di autorialità. Abbiamo trascorso più di un anno e mezzo, essenzialmente, imparando a controllare qualcosa che continuava a cambiare mentre lo utilizzavamo».

E come avete fatto a mantenere il controllo sul processo creativo?

«A volte mi sono sentito come un artigiano davanti alla prima macchina industriale: capisci immediatamente che può fare cose straordinarie, ma devi prima imparare a non lasciare che sia la macchina a decidere cosa fare. Non lavoravamo partendo dai prompt; lavoravamo partendo da una sceneggiatura. Il film veniva scomposto in scene, sequenze e singole inquadrature. Le immagini venivano generate, scartate, rigenerate, composte, perfezionate e nuovamente analizzate. In molti modi è diventato più simile a una produzione VFX estremamente complessa che alla fantasia di scrivere una frase e ottenere un film finito. L'AI accelera enormemente le possibilità. Ma la possibilità non è autorialità. Più scelte ti offre la macchina, più importante diventa il tuo giudizio.»

Se domani l'intelligenza artificiale facesse meglio di te quello che sai fare, cosa faresti?

«Quello che mi interessa è capire perché scegli una storia invece di un'altra. Perché riconosci qualcosa in un altro essere umano. Perché qualcosa ti emoziona. Se l'AI alla fine riuscisse a fare anche questo meglio di noi, allora avremmo un problema filosofico molto più grande rispetto al fatto che io ottenga o meno il mio prossimo lavoro da regista».

Francesco Carrozzini, oggi, di cosa ha ancora paura?

«Quello che oggi mi spaventa è passare tempo su cose - o con persone - che non contano. Perché a un certo punto capisci che il tempo è l'unica cosa che davvero non puoi riavere indietro».